SOBRE EL ESPECTÁCULO

“No sé cómo olvidar. El deseo de pensar con más profundidad es una cuestión de absoluta necesidad para todos los artistas. No soy especialista en geopolítica, sólo una observadora del mundo a través de mi experiencia práctica. Las giras y residencias en las que he estado, mis encuentros con gente y mi deseo de inmersión, todo ello ha elevado mi apetito por descubrir sociedades, mitos, costumbres, identidades, cuerpos. No siento que posea ninguna sabiduría particular, simplemente estoy buscando comprender qué me lleva a quedarme en determinados temas y volver a ellos una y otra vez. Durante este viaje personal y nuestro viaje como equipo, a veces las circunstancias han transformado nuestra trayectoria.”

Escribí este texto en diciembre de 2019, una época que hoy parece que perteneciera a otro cuento, de otro mundo. Un tiempo al que podemos llamar, sin duda, “El mundo de antes”.

2020 marca una nueva fase para la Humanidad.

Podemos elegir imaginar que estamos en el anochecer de un antropoceno o en los albores de una nueva era. Nadie, aparte de los más vigilantes de nuestros científicos, vieron acercarse la ruptura. Da igual dónde ni cómo se originaron los virus, no sería presuntuoso imaginar que otros virus vendrán y nos robarán nuestra libertad.

Sí, será difícil para nosotros olvidar el éxtasis de nuestra inocencia durante estas pasadas décadas. Difícil anticipar un mundo donde los encuentros, compartir y tocar esté condicionado por nuevas interacciones sociales y gestuales, nuevas reglas y nuevas responsabilidades que nos aterrorizan.

Mientras escribo, nuestro derecho al Arte y a la Cultura en la sociedad francesa todavía no ha sido garantizado. Los teatros, los cines, los museos, las librerías, los restaurantes, los cafés, los lugares de encuentro donde compartir e intercambiar con otros están cerrados, prohibidos al público general. Estas decisiones políticas no sólo tienen relación con riesgos de salud. (Transporte público, tiendas, fábricas e incluso lugares de culto tienen permiso para permanecer abiertos, todos considerados ¿“necesarios”?).

Enfrentada a todo este consumismo y regateo, el hecho de que tenemos que luchar por el Arte y la Cultura en nuestra sociedad, gritando lo importante que es para cada uno, para la humanidad, para la educación, para nuestra salud mental, nos muestra hasta qué punto la lucha contra la necropolítica forma parte de nuestro futuro y del conflicto de clases.

Para seguir creando arte, necesitamos refutar a esos que dicen que los espectáculos que se muestran en nuestros teatros son demasiado elitistas. No hay nada de malo en querer un elitismo para la mayoría, ni en demandar calidad y libertad de pensamiento para todos.

Esto no es demagógico ni subversivo —es racional y razonable—. Educar a toda la población no es vender entradas y eventos, o recibir “likes” y acumular “seguidores”, se trata de provocar preguntas, reflexión y debate, algo que llega con un costo. ¡Las crisis humanitarias y sociales que nos sacuden hasta lo más profundo no pueden ser tratadas como a las galerías Lafayette (o Selfriges, o Macy´s) ni en plataformas como Youtube y YouPorn!

El año uno de esta nueva era debe sacarnos de nuestro letargo. No importa los administradores financieros que nos gobiernen, depende de nosotros inventar formas, gestos, danzas y nuevos rituales, para volver a reconectar con nosotros, para librarnos de esta auto-alienación traída por nuestra relación consensuada con los bienes materiales, y en vez de eso reafirmar la comunidad, la humanidad, la alteridad.

Nos han hecho pasar hambre de comunidad durante meses. La echamos de menos. La democracia puede suceder si dejamos de intentar salvar nuestro pellejo y en cambio empezamos a pensar en términos de comunidad.

En la compañía Non Nova–Phia Ménard, nuestra investigación sobre la transformación de la materia y los elementos en el marco del proyecto I.C.E. (Incapacidad de malabarismo complementario de los elementos) resuena incluso más desde el principio de esta pandemia. Nuestros métodos de investigación teatrales y coreográficos donde se prima la dramaturgia por encima de la belleza, el tiempo sobre “hacer lo más sencillo”, y los seres humanos sobre la tecnología, son ahora incuestionablemente necesarios.

Nuestros espectáculos necesitan largos periodos de investigación. Trabajamos con materia y elementos que son a menudo incontrolables. Trabajamos bajo la mayor seguridad y una cantidad razonable de apoyo técnico. No usamos efectos especiales. Nuestros proyectos se financian con dinero de nuestras propias arcas, con las taquillas y el monedero del público. Cada nueva aventura es un riesgo que implica una profesionalidad sin compromisos y sin censura. Trabajar como equipo significa tratar con la alteridad, es un proceso de aprendizaje en términos de respeto, permiso, y exigencias de todos y cada uno de los miembros del grupo, ya sean artistas, técnicos o administradores.

Para vosotros, nuestros productores y vuestros equipos, aquellos de vosotros que apoyáis y financiáis nuestros proyectos, conozco las dificultades que entraña definir nuestro trabajo, comunicar lo que hacemos para vuestros espectadores y vender nuestros espectáculos. Hoy, incluso más que en el Mundo de antes, confiemos en nuestros espectadores, confiemos en su capacidad de cuestionar el mundo imaginario y su habilidad para soportar la adversidad, ya que ahora se ha convertido en una experiencia compartida.

EL GÉNESIS…

En 2016, para nuestra sorpresa, recibimos una invitación de la Documenta. Nos encargaron la creación de una pieza artística performativa o una exhibición para la Documenta 14, la edición 14 de la exhibición quinquenal de arte contemporáneo en Kassel (Alemania), bajo la dirección de Adam Szymczyk y Paul B. Preciado.

Los dos temas de esta edición eran:

«Aprendiendo de Atenas» y «Parlamento de Cuerpos».

Habiendo visitado Kassel y Atenas, decidí trabajar sobre Atenas. Es el lugar de nacimiento de una Europa mitologizada, y ¿es Kassel el lugar de nacimiento de una Europa monstruosa?

Para nosotros los europeos, la República de Atenas es una cuna de mitos, su historia se ha estudiado tanto como ha sido idealizada, es el lugar de nacimiento de la filosofía y del teatro. Kassel pude enorgullecerse en ser la ciudad natal de los hermanos Grimm, pero como tantas ciudades de Alemania, su sucia historia de participación Nazi desde 1933 al 1945 ha manchado la ciudad. La ciudad quedó en ruinas en medio de una devastada Europa de posguerra, y ha sido aquí donde se creó un proyecto para reconstruir y sanar a la población a través del arte y la educación: La Documenta. Tiene un papel capital para prevenir y cuidar una posible recaída en esta infección. Este proyecto re–educacional me inspiró a imaginar una serie de piezas performativas en forma de cuentos de hadas que he llamado The Trilogy of Immoral Tales (for Europe), para contar la historia de la construcción y destrucción de una ciudad: Europa.

Partie 1: Maison Mère (Casa Madre): La Era de los Dioses. El cuento de la diosa construyendo la primera casa de la Humanidad. Una tarea laboriosa y fastidiosa, tan fácilmente destruida.

Partie 2: Temple Père (Templo del Padre): La Era del Poder. El cuento de la torre de naipes, un ritual sadomasoquista.

Partie 3: La Rencontre Interdite (El Encuentro Prohibido): La Era de las personas invisibles. El cuento nos invita a entrar.

En Julio de 2017, completamos la primera parte de nuestra trilogía. Debido a los límites presupuestarios de la Documenta para los espectáculos del festival y las exhibiciones, los otros dos cuentos de hadas quedaron en suspenso.

2020...

Nunca hubiera imaginado que una pieza performativa, soñada en mi mente, pudiera un día ser atrapada por la realidad.

Maison Mère o Mother House, la primera parte de los Immoral Tales (for Europe), creada de 2017, fue un espectáculo de prueba, un lanzamiento tentativo sobre un mundo construido despacio y laboriosamente y que entonces se derrumba a merced de elementos incontrolables. Esta pandemia ha desplazado nuestro espectáculo desde la esfera de lo fantasmagórico a la de lo metafórico. Me gustaría escribir “la” pandemia, en vez de “esta” pandemia, como deseando que fuera una experiencia aislada, un drama del pasado. Pero no, ahora sabemos que está aquí para quedarse, debemos aprender a vivir con ella, nos guste o no.

Cuando releo el tema Apprendre Athènes (Aprendiendo de Atenas), me doy cuenta de que todos tenemos que comprender que no podemos seguir jugando con este planeta que todos compartimos. La Naturaleza nos está enseñando un par de cosas sobre humildad cuando nos derriba contra el suelo. Atenas fue devastada por la plaga hace mucho tiempo; igual que Atenas, pensábamos que podríamos escapar a nuestro destino. Y sin embargo, una vez recuperados del shock inicial, es obvio que no hemos aprendido a sacar ninguna conclusión…

Una vez recuperada del shock empecé a preguntarme qué era importante para mí, y me di cuenta que el alma de La Trilogie des Contes Immoraux (pour Europe) descansa en esta situación de opresión con la que estamos luchando actualmente. Volver al trabajo creativo es mi manera de alejarme del miedo y la amenaza: Concebir físicamente piezas performáticas es la base para acomodar la alteridad y el deseo de forjar rituales nuevos.

Aquí podréis encontrar un intento de pensar diferente, un proceso de pensamiento nacido en un mundo que no anticipó el colapso que se avecinaba, por muy rápido que se acercase, y que ahora continúa hacia un futuro incierto. Desde Maison Mère, pasando por Temple Père hasta La Rencontre Interdite, aquí tenemos una serie de tres cuentos de hadas compuestos de rituales y arquitectura. Cuerpos solitarios, abandonados, batallas sin victoria, juegos en entornos que a primera vista parecen seguros y libres de peligros…

COMPAGNIE NON NOVA/PHIA MÉNARD

Fundada en 1998 por Phia Ménard con el precepto fundacional “No inventamos nada, vemos las cosas de manera diferente”: Non nova, sed nove.

Desde su establecimiento, la compañía ha estado radicada en Nantes, en la costa atlántica de Francia. Su cuartel general incluye un estudio de ensayo, un taller de construcción, un taller de vestuario, oficinas y almacenes. Las instalaciones de Non Nova les permiten llevar a cabo investigaciones preliminares y ensayos, que tienen su culminación en las piezas performáticas en vivo.

Los muchos proyectos multidisciplinares de la compañía han juntado a artistas, técnicos y pensadores de varios horizontes con diversas experiencias. No es un colectivo sino un equipo profesional con Phia Ménard y Claire Massonnet a cargo de la dirección artística.

El equipo –40 personas– se formó a través de varios proyectos y debates, los miembros compartiendo sus habilidades, pericia y deseo de crear a través de su investigación imaginativa.

El director técnico: Olivier Gicquiaud – Asistente de administración y producción: Constance Winckler. Relaciones públicas: Adrien Poulard. Dramaturgo asociado para La Trilogie des Contes Immoraux (pour Europe): Jonathan Drillet. Artistas en los espectáculos actualmente en gira: Marlène Rostaing, Anna Gaïotti, Jeanne Vallauri, Amandine Vandroth, Marion Blondeau, Santana Susnja, Fanny Alvarez, Rémy Balagué, Inga Huld Hákonardóttir, Erwan Ha Kyoon Larcher, Elise Legros, Jean-Louis Ouvrard, Cécile Briand, Silvano Nogueira. Technicians and engineers: Ivan Roussel, Mateo Provost, François Aubry know as Moustache, Fabrice Ilia Leroy, Pierre Blanchet, Rodolphe Thibaud, Philippe Ragot, David Leblanc, Félix Löhmann, Philippe Marie, Manuel Menes, Yolène Guais, Claire Rigaud, Olivier Tessier, Aurore Baudouin, Eric Soyer, Clarisse Delile, Benoit Desnos, Ludovic Losquin, Aliénor Lebert, Gwendal Malard.

Desde que fue fundada en 1998 la compañía Non Nova ha llevado sus espectáculos a Argentina, Austria, Australia, Bélgica, Benín, Brasil, Bulgaria, Brunei, Burkina Faso, Burundi, Camerún, Canadá, Chile, China, Colombia, Croacia, Dinamarca, Ecuador, Rusia, Finlandia, Francia, Gabón, Alemania, Gran Bretaña, Grecia, Haití, Hong Kong, Hungría, Indonesia, Irlanda, Italia, Japón, Jordán, Kósovo, Laos, Letonia, Líbano, Madagascar, Malasia, Mali, Mauricio, Méjico, Marruecos, Myanmar(Birmania), Namibia, Níger, Nigeria, Portugal, la República de Cabo Verde, la República de Serbia, Escocia, Senegal, Eslovaquia, Suráfrica, Corea del Sur, España, Suecia, Suiza, Taiwán, Tailandia, Togo, Emiratos Árabes Unidos, Estados Unidos, Uruguay, Yemen.

PHIA MÉNARD

Nació en 1971.

Phia Ménard, al ver el espectáculo de Jérôme Thomas Extraballe en 1991, se dio cuenta de que había sentido muchas ganas de entrenarse en las artes performativas y en particular en el arte del malabarismo. Empezó a entrenar danza moderna, mimo y actuación. Entrenó con el maestro malabarista Jérôme Thomas, y se unió a su compañía, actuando en numerosos espectáculos hasta 2003. En 1997, en paralelo a su trabajo en la compañía, continuó su entrenamiento de danza y apareció en dos piezas cortas coreografiadas por Hervé Diasnas y Valérie Lamielle.

Fundó la compañía Non Nova en 1998 y creó Le Grain. Fue con su solo Ascenseur, fantasmagorie pour élever les gens et les fardeaux (Elevator, Phantasmagoria for elevating people and burdens), creado en 2001, cuando se ganó por primera vez el reconocimiento y el aplauso de la crítica como creadora. Admirada por su singular modo de trabajo la scène nationale Le Carré in Château-Gontier la invitó a que se convirtiera en su artista asociada desde 2003 a 2006. Allí, ella y su equipo (y el equipo de Le Carré) desarrollaron una forma de trabajo escénico donde lo espectacular, el aspecto visual del malabarismo se minimiza y reta, en favor de una nueva relación con sus espectadores. Numerosas piezas performáticas, espectáculos y eventos nacieron de este trabajo: Zapptime, rêve éveillé d’un zappeur (Zapptime, Daydream of a Channel-Hopper), the conference-show Jongleur pas confondre (Juggler, don’t confuse) con el sociólogo Jean-Michel Guy, Fresque et Sketches 2nd round, y los proyectos off-piste: Est-il vraiment sérieux de jongler? (Is it really serious to juggle?), Ursulines Dance Floor y Ursulines Mushroom Power.

En 2005 y 2007 ella desarrolló en su trabajo la noción de “unjugglability” (inmalabaridad), diseñando dos piezas, Zapptime#Remix y Doggy Bag y dos formas de cabaret, Jules for ever, Touch it con los músicos del sexteto “Frasques”.

En 2008 su Carrera artística tomó una nueva dirección con el proyecto I.C.E. - Injonglabilité Complémentaire des Eléments (Complementary Unjugglability of the Elements), con el propósito de examinar el aspecto imaginativo de la transformación y erosión de la materia natural y los elementos.

En enero de 2008, ella creó la pieza P.P.P. (Position Parallèle au Plancher/Parallel Position to the Floor) en el centro de artes performativas Les Nouvelles Subsistances en Lyon. Esta fue la primera pieza en The Ice Cycle. En noviembre creó la pieza performática L’après-midi d’un foehn version 1 (Afternoon of a Foehn Version 1), la primera pieza en The Wind Cycle, en el Museo de Historia Natural, en Nantes.

En 2009 colaboró con el colectivo La Valise en el proyecto Coyote Pizza creando la pieza performática Iceman.

En 2010, invitada por el Festival de Avignon y el SACD para crear una pieza para su programa Sujets à Vif, trabajó con la poeta de sonido Anne-James Chaton, para crear la pieza performática Black Monodie, segundo proyecto en el Ice Cycle.

En octubre de 2011, diseñó dos nuevos espectáculos para The Wind Cycle: L’après-midi d’un foehn (Afternoon of a Foehn) y Vortex.

En el CIFAS (Centre International de Formation en Arts de la Scène)/ (International Centre for Performing Arts Training) en Bruselas, inció un studio sobre cuestiones de género y temperamento llamado In the Mood con el filósofo Paul B. Preciado.

En 2012 recibió el premio a mejor teatro físico en el Edinburgh Fringe Festival por L’après-midi d’un foehn version 1 (Afternoon of a Foehn Version 1).

En enero de 2014, recibió la condecoración Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres (a Knightship in Art and Literature) de la Ministra de Cultura y Comunicación Aurélie Filippetti. Ese mismo año se convirtió en artista asociada del «Espace Malraux Scène nationale de Chambéry et de la Savoie».

En 2015, se convirtió en artista asociada en el Théâtre Nouvelle Génération - Centre Dramatique National de Lyon y en el Centre Chorégraphique National de Caen / Basse-Normandie, durante 2016, 2017 y 2018.

En junio de 2015 creó Belle d’Hier (Yesterday’s Beauty) que se estrenó en el Montpellier Dance Festival en la Opéra Comédie.

En 2017, se convirtió en artista asociada en el Théâtre National de Bretagne en Rennes. Fue invitada a crear un espectáculo para la Documenta 14 en Kassel y allí estrenó Contes immoraux - Partie 1: La Maison Mère. También creó y estrenó Les Os Noirs (Black Bones) en l’Espace Malraux, Scène Nationale de Chambéry et de la Savoie (Septiembre). Empezó a trabajar con grupo del año 79 de estudiantes de drama en el EN-SATT drama school (Ecole Nationale Supérieur des Arts et Techniques du Théâtre).

En 2018 diseñó y dirigió la ópera Et in Arcadia Ego, basada en las composiciones de Jean Philippe Rameau, para la Opéra-Comique en Paris, con Christophe Rousset, fundador del baroque musical ensemble «Les Talens Lyriques», y el escritor Eric Reinhardt.

Creó Saison Sèche un espectáculo sobre la violencia contra la mujer, coescrito junto a Jean-Luc Beaujault. El espectáculo se estrenó en el 72 Festival of Avignon en 2018.

La pieza performativa No Way se estrenó en el “Veillée de l’Humanité” - the National Theatre of Chaillot, Paris, para el 70 aniversario de la Declaración de Universal de Derechos Humanos.

El 11 de diciembre de 2018 Phia Ménard dio una charla en la UNESCO, en el Art Lab for Human Rights and Dialogue sobre el tema de la Libertad y el Arte.

En 2019, recibió el galardón Le Topor/SACD de “La vie dans tous les sens” y el premio del Jurado en el 53 Belgrade International Theatre Festival 2019. Se convirtió en presidenta de la asociación de escuelas de drama l’Ecole du TNB (Théâtre National de Bretagne) en Rennes.

En 2020 creó la pieza Fiction/Friction con los estudiantes del Year X del TNB drama school. También diseñó y dirigió el espectáculo final de año 79 con estudiantes de drama del ENSATT drama school en Lyon para una edición titulada “La Démocratie, qu’est ce que c’est amusant” (“Democracy, isn’t it amusing”).

El 22 de junio de 2020 “Le Syndicat de la Critique” (the Critics’ Association for theatre, dance and music) concedió a Phia Ménard el premio Critic’s Prize en la categoría “Dance and Performance”.

En enero de 2021, actuó en «A D-N», coreografiada por Régine Chopinot.

Su trabajo se ha representado en Argentina, Austria, Australia, Bélgica, Benín, Brasil, Bulgaria, Brunei, Burkina Faso, Burundi, Camerún, Canadá, Chile, China, Colombia, Croacia, Dinamarca, Ecuador, Rusia, Finlandia, Francia, Gabón, Alemania, Gran Bretaña, Grecia, Haití, Hong Kong, Hungría, Indonesia, Irlanda, Italia, Japón, Jordán, Kosovo, Laos, Lituania, Líbano Madagascar, Malasia, Mali, Mauricio, Méjico, Marruecos, Myanmar, Namibia, Níger, Nigeria, Portugal, la República de Cabo Verde, la República ode Serbia, Escocia, Senegal, Eslovaquia, Suráfrica, Corea del Sur, España, Suecia, Suiza, Taiwán, Tailandia, Togo, Emiratos Árabes Unidos, Estados Unidos, Uruguay, Yemen